I migliori film del 2013

DiIgnatiy Vishnevetsky,AA. Dowd,Mike D'Angelo,Sam Adams,Nick Schager,Ben Kenigsberg, eScott MacDonald 17/12/13 12:00 PM Commenti (1079)

La maggior parte dei film tratta di relazioni: tra legge e ordine, tra desiderio e dovere, tra passato e presente. Ma nel 2013, molti dei film grandi e memorabili, quelli che ci hanno commosso, scioccato o rimasti impressi, riguardavano le relazioni nel senso più tradizionale del termine: questo è stato l'anno di Jesse e Céline, di Adèle ed Emma, ​​e di Joaquin Phoenix e del suo computer. C'erano storie d'amore misteriose, come il corteggiamento legato ai maiali di Colore a monte , e storie d'amore platoniche, come Frances Ha e Principe Valanga . Per i cinefili, l'amore non era solo nei film, ma anche nell'aria: c'era così tanto da adorare - così tanti bei film non convenzionali, molti dei quali americani - che un elenco di 20 quasi non fa il anno giustizia. Indipendentemente da ciò, è quello che abbiamo assemblato di seguito, unendo le teste per contare il meglio di ciò che il 2013 aveva da offrire. (Ciascuno dei sette contributori ha presentato una graduatoria di 15 preferiti; una scelta numero uno ha guadagnato 15 punti, una scelta numero due ha guadagnato 14 punti e così via.) Non vedi un preferito personale? Raccontacelo nei commenti. Chi è curioso di vedere come è andata la votazione può anche dare un'occhiatale schede individuali, da cui si è formata questa classifica altamente soggettiva. E non dimenticare di votare il tuo film preferito dell'anno nel nostrosondaggio dei lettori.

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venti. Primo cugino una volta rimosso



Qualificandosi per l'esame di fine anno su un cavillo - è stato presentato in anteprima su HBO, ma è stato rilasciato tranquillamente in un cinema di New York per una settimana in modo da essere idoneo all'Oscar (da allora è entrato nella rosa dei candidati all'Oscar) - il notevole documentario di Alan Berliner merita un pubblico molto più ampio. Sulla carta, suona insopportabilmente sdolcinato: è un ritratto di un noto accademico e poeta, Edwin Honig (cugino di Berliner, per il titolo) per un periodo di cinque anni mentre scivola nella demenza causata dall'Alzheimer. Non contento solo di documentare una triste regressione, Berliner modifica il filmato in modo poetico, facendo eco al lavoro del suo soggetto, e il risultato è elettrizzante e non convenzionale. Molteplici fasi della demenza di Honig sono mescolate in un mosaico impressionistico, con Honig che a volte inizia una frase in una volta e poi la finisce diversi anni dopo (perché è incline a ripetersi). Il testo sullo schermo abbinato agli effetti sonori della macchina da scrivere fornisce un'esposizione che funge contemporaneamente da contrappunto a ciò che sta accadendo visivamente in quel momento. I filmati d'archivio sono esplicitamente metaforici e per lo più estranei alla storia personale di Honig. E durante tutto questo, Honig rimane sorprendentemente lucido, anche se perde la memoria a tal punto che non riesce più a recuperare molte delle parole che vuole usare. Audace, non ortodosso e profondamente commovente, Primo cugino una volta rimosso ecco come appare un documentario realizzato da un vero artista. [MD]

19. il consigliere

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Secondo la maggior parte dei critici (e del pubblico, il cui voto di Cinemascore era D per Dismal), il consigliere è stato un fallimento ridicolmente pretenzioso, incomprensibile e al limite dell'inguardabile: un imbarazzo per tutti gli interessati. Ma mentre non è per tutti i gusti, o anche per la maggior parte dei gusti, il consigliere si qualifica come uno degli esperimenti più radicali della recente storia di Hollywood, condotto da uno scrittore, Cormac McCarthy ( Non è un paese per vecchi ), senza alcun interesse nel placare o imboccare gli spettatori. La sua sceneggiatura originale, rigorosamente diretta da Ridley Scott, non ha una narrativa convenzionale: è una rappresentazione metodica di ciò che accade a un avvocato senza nome (Michael Fassbender), alla sua fidanzata (Penélope Cruz) e a vari soci (Brad Pitt, Javier Bardem) quando viene stupidamente coinvolto in un affare di droga multimilionario senza comprendere le possibili conseguenze o le tante cose imprevedibili che potrebbero andare storte. Sì, il dialogo è barocco e filosofico, ma in modo abbagliante, spesso esilarante. (Una piaga di pustola ribolle su tutti i loro culi scorbutici. È il tuo toast normale? Sempre più spesso.) No, non ha proprio senso, a parte una spietata condanna dell'arroganza, ma lo stesso si potrebbe dire di Jurassic Park , che esplora anche l'inferno che si scatena quando alcune persone intelligenti ma stupide cercano di controllare l'incontrollabile. Per lo spettatore meno eccitato dai dinosauri CGI che dalla domanda sul perché un uomo potrebbe fermarsi da uno showroom di motociclette per misurare l'altezza di un particolare modello, il consigliere crea una varietà singolarmente affascinante di film catastrofico, attraversato da un umorismo macabro e recitato allegramente da un fantastico ensemble (sebbene Cameron Diaz lotti con l'essere predatore). Ad alcuni spettatori potrebbe non piacere - relativamente pochi l'hanno fatto, anche se il culto sta crescendo - ma non può essere ignorato. [MD]



18. Un tocco di peccato

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Il regista cinese Jia Zhangke ha un occhio impareggiabile per i dettagli socio-economici; in molti modi, il suo senso immersivo della realtà ha messo in ombra le sue considerevoli doti di narratore. Quei doni, tuttavia, sono in primo piano in Un tocco di peccato , che ha vinto a Jia un meritatissimo premio per la migliore sceneggiatura al Festival di Cannes di quest'anno. Il film è composto da quattro storie di outsider disperati. Imparentati solo marginalmente, i segmenti presentano, nell'ordine: un ex minatore incazzato per la corruzione locale; un killer professionista in visita alla sua famiglia; una donna che ha una relazione con un uomo benestante mentre lavora in uno squallido stabilimento balneare; e, infine, un giovane innamorato di una prostituta. Ogni storia ha l'intensità compatta di un grande filato noir. Insieme, formano una visione desolante della vita moderna, compromessa da necessità economiche e modellata da cicli di violenza. Questo non vuol dire, però, che Un tocco di peccato è inesorabilmente cupo. La sensibilità comica e l'affetto di Jia per i suoi personaggi sono evidenti ovunque, specialmente nel segmento finale. Ambientato in un bordello di lusso (completo di una stanza a tema del treno comunista, per i clienti con i feticci del Grande Leader), riesce a combinare l'umorismo assurdo con un genuino senso di crepacuore. [IV]

17. Oltre le colline



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Di fronte all'arduo compito di creare un degno seguito della sua Palma d'oro, vincitrice 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni , il regista rumeno Cristian Mungiu ha rivolto la sua attenzione a un'altra storia in cui due donne trovano la loro amicizia messa alla prova dai confini di un ordine prescritto. L'ispirazione di Mungiu era un caso di esorcismo nella vita reale, ma Oltre le colline può rappresentare prima un film in quanto gli esorcisti sono essenzialmente quelli che sono posseduti. Il film inizia con una riunione, quando Alina (Cristina Flutur) fa visita all'ex compagna di scuola Voichita (Cosmina Stratan), che ora vive in un convento ortodosso altamente ritualizzato. Mungiu delinea nettamente i pericoli dell'insularità e la psicologia del fanatismo, ma ciò che colpisce di più Oltre le colline è quanto rigorosamente è stato concepito. Il senso di immersione è tale che lunghi tratti suonano come se fossero ambientati nel Medioevo. La suspense a lenta combustione del film fa perno sulla performance di Stratan come fedele insider, nel tentativo di iniziare la sua amica; parlando in toni mormorii e monotoni, l'attrice è spesso chiamata a suggerire la vita interiore con un solo sguardo, sbirciando dallo sfondo delle lunghe riprese immacolate di Mungiu. [BK]

16. All'interno di Llewyn Davis

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Joel ed Ethan Coen tornano nel 1961 a New York per trovare un altro triste sacco con cui proprio non riesce a prendersi una pausa. All'interno di Llewyn Davis , un ritratto cupamente comico di un artista non abbastanza fortunato (o bravo) da inserirsi nella fiorente scena folk-rock. Quell'anima sfortunata è il crooner titolare di Oscar Isaac, che si ritrova professionalmente in difficoltà dopo la morte del suo partner, e in perdita per amicizia o compagnia, tranne che per un gatto domestico che diventa il suo sgradito compagno di viaggio durante la prima metà del film. Un'esibizione solista di apertura stabilisce immediatamente che Llewyn ha talento, e allo stesso tempo stabilisce un tono meravigliosamente downbeat, uno che i Coen amplificano attraverso gli incontri con uno strano musicista jazz (John Goodman), un famoso dirigente musicale di Chicago (F. Murray Abraham) e altri colorati caratteri. Infuso sia della speranza che della disperazione della musica folk dell'epoca, e sostenuto da una svolta pietosa dell'anima del magnifico Isaac, è un ritratto tenero e fatalistico della lotta creativa. [NS]

quindici. La fine del mondo

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La fine del mondo è pieno zeppo del tipo di cinema energico - fruste, filastrocche visive, riferimenti a ammiccamenti e ti mancheranno - che gli spettatori si aspettano dal regista Edgar Wright. Come i due precedenti capitoli della trilogia cult di Wright sul Cornetto, La notte dei morti viventi (2004) e Fuzz caldo (2007), è un omaggio esteso al genere sotto forma di una commedia d'azione, con al centro un'amicizia tra i protagonisti della serie Simon Pegg (anche il co-sceneggiatore di tutti e tre i film) e Nick Frost. Ciò che distingue il film dagli altri, tuttavia, è la sua profondità emotiva. Nella migliore performance della sua carriera, Pegg interpreta Gary King, un perenne fottuto desideroso di rivivere i suoi giorni di gloria dei primi anni '90. King chiede a quattro amici dai tempi della scuola (Frost, Martin Freeman, Paddy Considine, Eddie Marsan) di unirsi a lui in un viaggio nella loro città natale per completare un giro dei pub di 12 fermate (o sono quelle di 12 passi?), solo per scoprire che la comunità è stata rilevata da robot alieni. Impressionante, il cambio di genere non nega la commedia realistica e basata sui personaggi del primo tratto del film. La premessa del ladro di corpi costituisce una metafora efficace e sfaccettata - per vivere nel passato, per la perdita di un certo stile di vita di provincia e per come luoghi un tempo familiari possano sembrare strani a un adulto che ritorna - che è approfondito dalle performance di Pegg e Frost. Nonostante tutte le battute e gli effetti speciali, La fine del mondo è, prima di tutto, un film sulla dipendenza, una fantasia su come affrontare la realtà. [IV]

14. Il passato

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di Asghar Farhadi Il passato funziona come una sorta di complemento del suo premio Oscar una separazione , in quanto condivide un interesse rigoroso per le complessità della vita familiare. Questo drammatico trionfo coinvolge il tumulto che travolge una famiglia iraniana che vive in Francia quando la madre, interessata a sposare un nuovo uomo, fa tornare a casa il marito da cui si era separato dopo quattro anni per firmare le carte del divorzio, una mossa che sconvolge la figlia maggiore della madre (da una precedente matrimonio), ed è complicato dal fatto che la prima moglie del nuovo uomo è in coma causato da un tentativo di suicidio fallito. La sceneggiatura superbamente sobria e priva di istrionismo di Farhadi consente alle successive rivelazioni su quel suicidio di emergere lentamente e naturalmente dalle circostanze a portata di mano, con eventuali rivelazioni che intrappolano ulteriormente i suoi personaggi in una rete di amarezza, rimorso e disperazione. Ritraendo il passato come fonte sia di sofferenza che di gioia, il film riconosce che la tragedia a volte nasce non dal male malizioso, ma dal comportamento avventato delle persone offese e dalla spirale di conseguenze indesiderate che tali azioni generano. [NS]

13. A Berkeley

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Il grande soggetto di Frederick Wiseman è sempre stato l'istituzione americana, ma concentrarsi sulla condizione dell'istruzione superiore pubblica - in un momento di progressivo disinvestimento dallo stato - alza la posta metaforica. Ritraendo il campus dell'Università della California come un'aspirante, impossibile utopia, A Berkeley prende come soggetto niente di meno che la stessa costruzione della società. È un film sulla classe, la razza, il valore della conoscenza, l'importanza di avere un senso della storia e i mezzi con cui è possibile guardare al futuro. Per tutto il materiale che Wiseman racchiude in quattro ore, sta raccontando ciò che sceglie di escludere. (Non ci sono scene di vita nel dormitorio, per esempio.) I lunghi episodi di vérité si accumulano in un quadro decisamente più ampio: nelle aule, nelle aule, nelle riunioni del consiglio e nei laboratori, la vita universitaria è vista come una negoziazione continua tra l'individuo e la comunità, tra idealismo e pragmatismo, e tra giovani e vecchi. Quest'ultimo tema pesa molto sull'ultima ora, mentre uno staff pieno di radicali anziani si confronta con una protesta studentesca di ampio respiro ma non coesa. Non ci sono soluzioni facili in A Berkeley , ma c'è poco che non sia assorbente, intricato e provocatorio. [BK]

12. Il lupo di Wall Street

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No, non si eclisserà bravi ragazzi . Sì, specialmente a livello di personaggio, è una sorta di sequel molto più ricco di casinò . E per il puro, sostenuto eccesso, è difficile pensare a un precedente nell'opera di Martin Scorsese per Il lupo di Wall Street , che applica i suoi tropi da film di gangster al mondo della finanza, un ambiente che alla fine sembra avere meno regole. A differenza di Henry Hill, che è stato iniziato ai suoi modi da mafioso fin dall'infanzia, Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio) del film inizia la sua carriera come un serio broker, desideroso di aiutare i suoi clienti. Ma dopo un incontro con un anziano che si batte il petto (Matthew McConaughey), è come se qualcosa scattasse: Oh, vuoi dire che questo lavoro mi permette di dormire con tutte le donne che voglio e di fare tutte le droghe che il mio sistema può gestire tutto il tempo ? scelgo Quello . Da quel momento in poi, non c'è quasi un momento in cui non sia altro che totalmente amorale, intrappolato in una vivida spirale di morte fatta di scoppi di pillole, esplorazione sessuale irragionevole e accumulo di ricchezza, e c'è un deprimente suggerimento che le persone che meno temperano i loro istinti animali stare per fare più soldi. Da Scorsese il Cattolico, lupo scandaglia come un'esplorazione del peccato nella sua forma più pura. Per Scorsese la formalista (e montatrice Thelma Schoonmaker), è un trionfo, con una sequenza dopo l'altra, incluso il prossimo classico Quaalude crawl, che rende difficile non alzarsi e gridare, Cinema! [BK]

undici. Blu è il colore più caldo

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Per affrontare prima la più grande controversia: il regista Abdellatif Kechiche ha spinto troppo oltre le sue attrici principali? Potrebbe averlo fatto, ma così ha fatto Griffith quando ha fatto In fondo all'est, e così ha fatto Dreyer quando ha fatto La passione di Giovanna D'Arco . Il cinema è pieno di grandi interpretazioni che non sarebbero mai avvenute se i registi non avessero costretto gli attori a dare sempre di più se stessi. Sul fatto che Kechiche abbia sfruttato le sue attrici, è difficile vedere come qualcuno possa guardare Blu è il colore più caldo e pensalo. Non c'è niente di pruriginoso nella manciata di scene di sesso, che riescono ad essere grafiche senza occhieggiare; l'attenzione, sempre, è sull'intensità emotiva delle connessioni. E mentre il film potrebbe non funzionare come un primer sul sesso lesbico, almeno secondo alcuni, è un ottimo primer sul primo amore, la passione che consuma tutto, seguita dalla triste e lenta realizzazione che la passione non dura. L'ultima ora, in cui la straordinaria Adèle Exarchopoulos deve affrontare la perdita, è semplicemente straziante. Una scena dopo l'altra passa, eppure non arriva alcun conforto. A differenza della maggior parte dei film sul primo amore, Blu è il colore più caldo non insiste sul fatto che migliori. Invece, riconosce una verità più triste: che l'amore, quando si perde, lascia un segno che non va mai via. [SM]

10. Non

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È raro, come raro l'avvistamento di Bigfoot, trovare un film politicamente intelligente e completamente divertente come il quarto film di Pablo Larraín, e inoltre sorprendente perché il regista Tony Manero e Dopo la morte non erano esattamente pieni di umorismo. In qualità di pubblicitario incaricato di raccogliere il sostegno pubblico per un plebiscito anti-Pinochet, Gael García Bernal si ritrova a vendere l'anti-totalitarismo come se fosse una bibita analcolica: rimuginare le atrocità della dittatura fa solo arrabbiare la gente, quindi perché non essere positivo? Il video preistorico del film è più brutto e sgradevole di Scacchi al computer ’, come se fosse stato riesumato da un archivio dove sarebbe stato lasciato a smagnetizzare. Sebbene Larraín abbia ricevuto alcune critiche per aver ricablato il passato del Cile, Non è una storia acuta e spaventosa del presente. [SA]

9. Stanza 237

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Il ritratto degli ossessivi di Rodney Ascher convinto che Stanley Kubrick's Il brillante contiene significati segreti che solo loro possono interpretare inizia come un seminario di studi cinematografici e si trasforma in una sessione di terapia di gruppo. Le loro teorie, che si basano su simboli oscuri ed errori di continuità, sono illusioni da foresta per gli alberi, ma sono anche riflessioni da baraccone di chiunque abbia mai discusso su cosa sia veramente un film, vale a dire chiunque abbia mai scritto o pensato al cinema. Per coloro che hanno fissato il divario che separa l'analisi dalla speculazione, Stanza 237 tanto un film dell'orrore quanto Il brillante . [A]

8. Sua

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In un futuro prossimo non molto diverso dal nostro presente collegato, uno scrittore triste si innamora del suo sistema operativo, tubando dolci paroline nell'altoparlante del suo smartphone. Quello che avrebbe potuto essere uno scherzo facile, o forse una cinica lezione sulla dipendenza da gadget, diventa qualcosa di più intimo, forse anche personale, una favola malinconica e comica sull'unione, la separazione e la gestione della solitudine in un'epoca in cui non sei mai veramente solo. Spike Jonze, l'eccentrico soul che ha fatto Essere John Malkovich e Dove sono le cose selvagge , tratta la storia d'amore tra uomo e macchina con una sincerità disarmante. Parte di questo è il casting immacolato: Joaquin Phoenix, ammorbidendo la sua energia volatile, sembra secernere angoscia dai suoi pori. Ed è perfettamente abbinato a Scarlett Johansson, creando un personaggio in carne e ossa, il più nevrotico vivo A.I. da A.I.— con nient'altro che la sua voce disincarnata. Ambientato in un facsimile scintillante e utopico di Los Angeles, Sua presenta un domani esteticamente, tecnologicamente plausibile. Ma, come con la più grande fantascienza, la sua vera bellezza sta in ciò che dice di oggi: sul tentativo di vivere e trovare la felicità, nel qui e ora. [ANNO DOMINI]

7. Colore a monte

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A parte i dettagli sparsi su un progetto fallito chiamato un arte topiaria , si sa poco di come Shane Carruth abbia trascorso i nove anni successivi alla nascita del culto Primo . Ma qualunque cosa avesse in mente lo ha trasformato da un regista interessante in un grande regista. Colore a monte la narrativa enigmatica di è vagamente analoga a Primo i loop annidati di , ma le sue immagini sensuali sono qualcosa di nuovo e travolgente, attingendo a livelli di emozione Primo appena graffiato. Costruito attorno alla performance da tour de force di Amy Seimetz e a una carismatica svolta da protagonista dello stesso Carruth, il film si trasforma in una sorta di storia d'amore metafisica su come e se le persone si conoscono davvero o se stesse. [SA]

6. L'atto di uccidere

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di Joshua Oppenheimer L'atto di uccidere è un documentario del tipo più strano e surreale. Un'indagine non-fiction sui crimini passati e sulle circostanze attuali degli uomini che hanno contribuito a portare a termine il genocidio dei presunti comunisti del 1965-1966 in Indonesia, il film di Oppenheimer si dirama in luoghi bizzarri e terrificanti. I suoi soggetti, in particolare Anwar Congo e il suo compagno di travestimenti Herman Koto, non solo descrivono i loro omicidi - il loro orgoglio e la loro arrogante arroganza sull'argomento è agghiacciante - ma li rievocano anche per la telecamera, nello stile del loro gangster preferito e film polizieschi. Data la continua venerazione del governo indonesiano per uomini come Congo e Koto, il film rappresenta un ritratto del male nazionale endemico, nonché un'esplorazione dei modi in cui il cinema riflette e informa la violenza del mondo reale. L'atto di uccidere offre una finestra sulla visione del mondo sadica dei suoi soggetti, a volte attraverso stravaganti segmenti sceneggiati, nessuno più sbalorditivo di un pezzo di fantasia prolungato in cui gli assassini ballano per uscire da una gigantesca statua di pesce di mare prima di ricevere medaglie dalle loro vittime e ascendere al cielo. L'affascinante lavoro di Oppenheimer è un dannato atto d'accusa meta-doc che alla fine include se stesso come uno degli obiettivi. [NS]

5. Scacchi al computer

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I primi tre film di Andrew Bujalski— Divertente ah ah (2002), Apprezzamento reciproco (2005), e cera d'api (2009) - lo ha stabilito come la voce più fresca (e più matura) per uscire dalla cosiddetta scena mumblecore. Erano commedie sociali attentamente osservate, caratterizzate da dialoghi naturalistici, strutture di scena deliberatamente anticlimatiche e riprese sgranate a mano da 16 mm. Niente in loro, tuttavia, potrebbe preparare gli spettatori al quarto lungometraggio di Bujalski, Scacchi al computer —uno dei film indipendenti più inebrianti, originali e decisamente più strani dell'ultimo decennio. Ambientato nei primi anni '80 e girato quasi interamente con videocamere a tubo in bianco e nero, il film vanta una struttura ingannevolmente sofisticata. Inizia come un mockumentary, si trasforma in una commedia e finisce come un film di fantascienza d'avanguardia. Le relazioni passivo-aggressive e l'imbarazzo dei primi film di Bujalski sono presenti e spiegate, ma sono state trapiantate in un contesto paranoico che è una parte Il brillante , una parte Thomas Pynchon. I nerd del computer (molti dei quali interpretati da programmatori di computer nella vita reale) si scontrano con un gruppo di scambisti di culto in un hotel, mentre vari personaggi sospetti, che potrebbero o meno lavorare per il governo degli Stati Uniti, guardano da bordo campo. Il narcisismo è contrapposto alla connessione, gli impulsi primordiali contro la tecnologia. Il risultato sembra molto simile a un mito della creazione: il passato che immagina il nostro presente e risponde con paura e ansia. [IV]

Quattro. Leviatano

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C'è qualcosa che non si può dire molto spesso: il film visivamente più affascinante dell'anno, quello che sembrava far esplodere le possibilità di ciò che una telecamera può mostrare o fare, è stato un documentario sulla natura. Sperimentale nella sua totale assenza di teste parlanti, narrativa e narrazione, Leviatano immerge gli spettatori nelle acque agitate e torbide dell'Oceano Atlantico, dove un peschereccio sfida le onde per portare il pescato giornaliero. Piuttosto che concentrarsi sugli uomini che svolgono questo difficile lavoro - sono visti solo di sfuggita e non hanno alcun dialogo - i registi Lucien Castaing-Taylor e Véréna Paravel immergono le loro macchine fotografiche resistenti e impermeabili nella bevanda e tra gli occupanti acquatici e contorti del ponte di uccisione della nave. A volte, l'immaginario acquisisce un'astrazione infernale; altrove, sembra confondere qualsiasi comprensione dei limiti della cinematografia, emergendo come il Io sono Cuba di saggistica immersiva. In un certo senso, i realizzatori stanno usando la realtà stessa come strumento di espressione visiva, essenzialmente dipingendo con i colori e le trame del mondo naturale. La loro tela, nel frattempo, è così irriconoscibile che potrebbe essere il mare nero come la mezzanotte di un pianeta alieno. Dà un nuovo terrificante significato alla parola obiettivo fish-eye. [ANNO DOMINI]

3. Frances Ha

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C'è un momento a metà strada Frances Ha quando il personaggio del titolo, imperdibilmente incarnato da Greta Gerwig, incontra un ex compagno di stanza e la sua data, che Frances non ha mai incontrato. Parlando direttamente alla data, Frances si lancia in una litania esplicativa, facendo riferimenti specifici a persone e luoghi, fino a quando l'altra donna non può far altro che dire, come promemoria amichevole, Non ti conosco. Un così disinvolto solipsismo conferisce a questa commedia newyorkese a ruota libera un retrogusto aspro (la Gerwig afferma di essere stata ispirata dall'interpretazione di David Thewlis nel film di Mike Leigh Nudo , sebbene Frances non condivida il suo veleno o la sua brutalità), anche se riesce a creare un finale relativamente felice per la sua eroina non databile. Lavorando con una sceneggiatura che lui e Gerwig hanno realizzato insieme, il regista Noah Baumbach racconta la storia di Frances in brevi, frastagliate esplosioni di intensità stravagante, seguendola mentre si sposta da un appartamento all'altro dopo che la sua migliore amica, Sophie (Mickey Sumner), si trasferisce improvvisamente da casa. il loro idillio condiviso. È un pezzo dall'atmosfera impressionista, girato in bianco e nero e fortemente influenzato dai ritmi della New Wave francese, ma mostra anche una combinazione vincente tra il sarcasmo tagliente di Baumbach e l'ottimismo sfigato di Gerwig. E si conclude con una delle migliori battute finali dell'anno, quella che spiega tardivamente il titolo del film con una bella fioritura simbolica. [MD]

2. 12 anni schiavo

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Il primo film del regista britannico Steve McQueen, Fame , era difficile da definire: era arte o semplicemente l'imitazione di essa? Il suo prossimo film, Vergogna , non era affatto difficile da definire: era fasullo come l'inferno, una lezione semplicistica sui pericoli del sesso senza amore rivestito di una lucentezza artistica. Ma con il suo ultimo, tutti i dubbi sul talento del regista sono spazzati via. 12 anni schiavo è la cosa più rara di quelle rare: un film mainstream su larga scala su un argomento mortalmente serio - in questo caso, gli orrori della tratta degli schiavi americani - che non scivola mai una volta nel grossolano sentimentalismo o nella pigra demonizzazione. C'è sicuramente un sacco di comportamenti demoniaci in mostra, in particolare da parte di un proprietario sociopatico di una piantagione (Michael Fassbender) e della sua odiosa moglie (Sarah Paulson), ma i personaggi bianchi sono sempre stratificati, sfaccettati. Non sono semplicemente incarnazioni del male; si comportano in modo terribile, ma i loro comportamenti possono avere radici complesse. Allo stesso modo, ai personaggi neri è stata estesa la cortesia (per una volta) di essere più che semplici vittime di magazzino. (Non c'è niente da fare qui.) Dall'amante della piantagione allarmante e confortevole di Alfre Woodard alla ragazza pragmatica e longanime di Lupita Nyong'o, tutti hanno strategie diverse per la sopravvivenza e, a loro volta, diversi punti di rottura. Al centro di tutto, ovviamente, c'è Solomon Northup di Chiwetel Ejiofor, un uomo di colore libero e istruito che scopre, nel modo più duro possibile, di non appartenere affatto a nessuno dei due gruppi. Questa potrebbe essere la fonte ultima della grandezza del film: poiché Northup non rientra in una categoria facile, rimane, prima di tutto, un essere umano, con cui anche lo spettatore più ottuso può identificarsi. [SM]

1. Prima di mezzanotte

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La storia di Jesse e Céline avrebbe potuto concludersi nove anni fa, con una canzone, un ballo e l'allettante minaccia di un volo perso. Certamente, ci sarebbero modi peggiori per lasciare questi loquaci amanti, che si sono incontrati su un treno nel 1995 Prima dell'alba e poi ci siamo ritrovati di nuovo nel 2004 Prima del tramonto —che congelato per sempre nel momento felice. Invece, e abbastanza audacemente, il regista Richard Linklater e le sue star/collaboratori, Ethan Hawke e Julie Delpy, hanno guardato oltre quella perfetta ellissi di un finale, verso un futuro più rock di quanto i personaggi avrebbero potuto immaginare. Prima di mezzanotte , il più intelligente e spinoso della trilogia, rivela l'intera portata delle ambizioni dei suoi creatori: è chiaro ora, se non fosse stato prima, che Linklater, Hawke e Delpy hanno dipinto un grande mosaico, non semplicemente una storia d'amore episodica , ma la vita decennale di una relazione. Mettere Jesse e Céline l'uno contro l'altro, ma anche contro gli ostacoli della mezza età, della genitorialità e della compagnia a lungo termine, Mezzanotte perde molto del fascino dolce e semplice dei suoi predecessori walk-and-talk. Ma approfondisce anche quei film in retrospettiva, rendendoli parte di qualcosa di più grande e più significativo. Per tutto il vetriolo scambiato tra loro, vedi:la scena migliore dell'anno—Jesse e Céline sono ancora molto innamorati, la loro passione complicata ma non estinta con l'età. Cosa potrebbe esserci di più profondamente romantico di quello? [ANNO DOMINI]